리뷰] 프리다 (줄거리, 감상 포인트, 감상평)

 

고통을 숨기지 않았기에 예술이 된 한 인간의 삶

줄거리 - 고통을 견디는 삶이 어떻게 예술이 되었는가

프리다는 전형적인 전기 영화의 문법을 따르지 않는다. 이 영화는 위대한 예술가의 성공 서사를 차분히 따라가는 대신, 한 인간이 자신의 몸과 감정, 정체성을 어떻게 끝까지 포기하지 않았는지를 집요하게 응시한다. 영화의 시작은 젊고 생기 넘치는 프리다 칼로의 모습이다. 그녀는 지적이고 자유로운 성격의 소유자이며, 당대의 규범에 순응하기보다는 끊임없이 질문을 던지는 인물로 등장한다.

그러나 이 자유는 갑작스러운 사고로 산산이 부서진다. 버스 사고로 인해 프리다는 척추와 골반, 다리에 치명적인 부상을 입고 평생 고통을 안고 살아가게 된다. 이 사고는 단순한 신체적 사건이 아니라, 그녀의 삶 전체를 재구성하는 분기점이다. 영화는 이 사고를 비극적 장치로 소비하지 않는다. 대신 그 이후의 시간을 천천히 따라가며, 고통이 일상이 되는 과정을 보여준다.

긴 회복 기간 동안 프리다는 침대에 누운 채 그림을 그리기 시작한다. 거울을 통해 자신을 바라보며 그린 자화상은 단순한 초상이 아니라, 자신을 존재로 증명하는 행위다. 그녀는 상처 입은 몸을 숨기지 않고 그대로 캔버스 위에 올린다. 영화는 이 과정을 통해 예술이 재능의 발현이 아니라, 생존의 방식일 수 있음을 드러낸다.

이후 프리다는 멕시코의 거장 화가 디에고 리베라와 만나 결혼한다. 두 사람의 관계는 사랑과 존경, 질투와 배신이 끊임없이 교차하는 격렬한 동맹에 가깝다. 디에고는 프리다의 재능을 인정하지만, 동시에 그녀를 끊임없이 상처 입힌다. 영화는 이 관계를 미화하지 않는다. 오히려 서로를 파괴하면서도 떠나지 못하는 두 예술가의 모순을 정면으로 보여준다.

프리다는 디에고의 외도뿐 아니라, 자신의 반복되는 유산과 건강 악화로 깊은 좌절을 겪는다. 아이를 가질 수 없다는 사실은 그녀에게 또 다른 상실로 남는다. 그러나 이 상실 역시 그녀의 그림 속으로 흡수된다. 그녀의 작품은 점점 더 직접적이고, 고통을 숨기지 않는 형태로 변화한다.

영화는 프리다가 정치와 사회, 성 정체성에 대해서도 스스로의 목소리를 갖고 있었음을 강조한다. 그녀는 공산주의 운동에 참여하고, 성적 지향에 있어서도 사회적 규범에 얽매이지 않는다. 이 모든 선택은 당대 여성에게 허용되지 않았던 영역이었다.

후반부로 갈수록 프리다의 몸은 점점 더 망가진다. 수술은 반복되고, 통증은 사라지지 않는다. 그러나 그녀는 끝까지 그림을 그린다. 마지막 개인전에서 침대에 누운 채 전시장에 등장하는 장면은 이 영화의 정서적 정점이다. 프리다는 예술가로서가 아니라, 존재 그 자체로 전시장에 선다.

프리다는 영웅적으로 죽지 않는다. 대신 고통 속에서도 자신을 지우지 않은 한 인간의 모습으로 남는다. 영화는 이 삶을 성공이나 승리로 규정하지 않는다. 그저 끝까지 자기 자신이었던 사람의 기록으로 남긴다.

 

감상포인트 - 육체·정체성·예술의 불가분성 

프리다의 가장 중요한 감상 포인트는 이 영화가 예술과 삶을 분리하지 않는다는 점이다. 프리다에게 그림은 직업이 아니라, 자신의 몸과 감정을 기록하는 방식이다. 그녀의 작품은 상징적이지만, 결코 추상적이지 않다. 모든 그림은 구체적인 경험에서 비롯된다.

첫 번째 감상 포인트는 ‘몸’이다. 이 영화에서 몸은 대상화되지 않는다. 프리다의 몸은 상처 입고, 고통스럽고, 불완전하지만, 숨겨지지 않는다. 카메라는 이 몸을 연약함의 상징이 아니라, 살아 있음의 증거로 바라본다.

두 번째 감상 포인트는 정체성이다. 프리다는 멕시코인으로서의 정체성을 강하게 드러낸다. 의상, 색채, 장식은 단순한 스타일이 아니라 정치적 선언이다. 영화는 그녀의 외형을 철저히 그녀의 선택으로 묘사한다.

세 번째 감상 포인트는 사랑의 양면성이다. 디에고와의 관계는 파괴적이지만, 동시에 창조적이다. 이 영화는 사랑이 반드시 치유적일 필요는 없다는 사실을 숨기지 않는다. 어떤 사랑은 상처를 남기지만, 그 상처 또한 예술의 일부가 된다.

연출 측면에서도 프리다는 독특하다. 프리다의 그림이 화면 속으로 살아 들어오는 장면들은 이 영화가 단순한 전기 영화가 아님을 분명히 한다. 회화와 영화의 경계는 의도적으로 흐려진다.

음악과 색채 역시 중요한 역할을 한다. 멕시코 전통 음악과 강렬한 색감은 프리다의 내면을 시각적으로 확장한다. 고통의 서사임에도 영화가 생동감을 잃지 않는 이유다.

 

감상평 - 아름다움은 고통을 지운 결과가 아니라 드러낸 결과다

프리다를 보고 난 뒤 가장 오래 남는 감정은 연민보다 존중이다. 이 영화는 프리다를 불쌍한 예술가로 그리지 않는다. 대신 끝까지 자기 자신이었던 인간으로 기억하게 만든다.

이 작품은 여성 예술가에 대한 서사를 근본적으로 다시 쓴다. 프리다는 고통을 극복한 존재가 아니다. 그녀는 고통 속에서 자신을 잃지 않았을 뿐이다. 이 차이는 매우 중요하다.

프리다의 그림이 강렬한 이유는, 그것이 미적으로 완벽해서가 아니라 진실하기 때문이다. 영화 역시 마찬가지다. 이 영화는 감동을 강요하지 않는다. 대신 삶의 무게를 있는 그대로 보여준다.

프리다는 말한다. 상처를 숨기지 않아도 된다고. 오히려 드러낼 때, 그것은 언어가 되고 이미지가 된다고.

이 영화는 예술을 숭고한 영역으로 끌어올리지 않는다. 대신 예술을 삶의 일부로 끌어내린다. 그래서 프리다는 위대한 예술가의 이야기가 아니라, 인간의 이야기로 남는다.

프리다는 끝까지 스스로를 설명하려 들지 않는다. 그녀는 자신의 삶을 변명하지 않는다. 이 태도야말로 이 영화가 가장 강하게 전달하는 메시지다.

프리다는 말한다. 고통은 사라지지 않을 수 있지만, 그것이 나를 지우지는 못한다고.

그래서 이 영화는 끝난 뒤에도 남는다. 감동이 아니라, 태도로.